My Walking
Is My Dancing

La marche ou la promenade sont généralement automatiques, on n'y pense guère. C'est en même temps le mouvement le plus élémentaire et le plus simple de l'homme. C'est à cela que la marche doit sa force quand elle est soudain vécue et présentée intentionnellement et extraite de son contexte quotidien. Rien d'étonnant non plus à ce que la marche et la promenade reviennent souvent dans diverses formes de l'art de la performance. Les exemples d'artistes qui tentent de dominer le temps par cette simple action ou veulent même placer ce processus (plutôt que son résultat final) sous le feu des projecteurs abondent. D'autres s'approprient un espace, ou lui donnent une nouvelle signification en y imprimant en quelque sorte leur corps au cours de leur itinéraire. Pensons à Francis Alÿs, qui a promené un chien-jouet magnétique dans toute la ville de Mexico jusqu'à ce qu'il soit complètement recouvert des déchets métalliques qui jonchent les rues (vidéo). Simon Faithfull a suivi le méridien de Greenwich de Peace Haven dans le Hampshire à Cleethorpes dans le Lincolnshire, sans jamais se laisser arrêter par les obstacles rencontrés sur son chemin (rivières, haies, buissons, etc.) (vidéo) / (vidéo 2). Janet Cardiff doit sa notoriété à ses « audio walks » [balades audio] qui accompagnent le public muni d'écouteurs tout au long d'un itinéraire, entre autres dans et autour de Central Park à New York et dans le musée Hirshhorn de Washington (vidéo) / (vidéo 2). L'un des exemples les plus connus est probablement la performance The Great Wall Walk (1988) réalisée par Marina Abramović et Ulay. Venant chacun d'une extrémité de la muraille de Chine, ils ont marché sur l'édifice jusqu'à se retrouver nonante jours plus tard au milieu où ils se sont dit adieu pour de bon.

Bref, les exemples ne manquent pas. On a même publié des livres consacrés exclusivement à la marche telle qu'elle se manifeste dans l'art. La danse y joue un rôle à ne pas sous-estimer. Balayant les frontières, des chorégraphes post-modernes comme Trisha Brown, Steve Paxton et Yvonne Rainer ont engendré un art du mouvement à la limite entre danse et performance pure. De même que l'art de la performance s'autorise à franchir les murs d'un musée, les premières œuvres de Brown ont quitté le théâtre. Des pièces comme Walking on the Wall (vidéo) et Roof Piece (1971) (vidéo) se caractérisent par l'interaction entre le corps et un environnement spécifique, qui se répondent de façon peu ordinaire. Les danseurs (tenus par des harnais) courent sur des murs parallèlement au sol ou se transmettent une série de mouvements, chacun debout sur un toit différent.

Quelques années plus tôt déjà, Steve Paxton avait, avec des créations comme Proxy (1961) et Satisfyin' Lover (1967) (vidéo), intégré le vocabulaire cinétique quotidien dans un spectacle de danse. Ces chorégraphies se composent essentiellement d'une alternance soigneusement orchestrée entre marche, immobilité et position assise, tout en employant des tempi sans cesse différents. Outre Brown et Paxton, d'autres participants ont également travaillé au Judson Dance Theater de New York, par exemple Yvonne Rainer, avec des mouvements élémentaires. Ils voulaient ainsi défaire la danse de toute charge expressive ou dramatique, si bien que le corps fonctionnait comme un objet neutre leur permettant d'expérimenter rapidité, stabilité, pesanteur, rythme et (dés)équilibre. Les chorégraphes Anna Halprin et Simone Forti ont travaillé selon cette même idée dans l'atelier d'Halprin à San Francisco. Durant cette période, leur approche pure non narrative de la danse a poussé Bruce Nauman à réaliser des performances comme Walking in a Exaggerated Manner Around the Perimeter of a Square (1967-1968) (vidéo) et Slow Angle Walk (Beckett Walk) (1968), filmé par une caméra fixe inclinée. Comme le suggère le titre du dernier exemple, Nauman s'est également inspiré de l'œuvre de Samuel Beckett, dont les personnages sont souvent plongés dans des situations sans issue et absorbés dans d'inutiles actions répétitives.

Le hasard veut que Samuel Beckett ait eu lui aussi, dans les années 1960 également, l'idée d'un « mime géométrique ». Cette idée devait finalement déboucher sur la pièce télévisée Quad (1981), « a ballet for four people ». Cette pièce se compose de quatre personnes, habillées en blanc, rouge, bleu ou jaune, qui marchent selon des motifs fixes et leurs variations sur une scène carrée (tout comme, notons-le, dans les performances de Nauman). (vidéo) / (vidéo 2) D'un point de vue technique, il ne s'agit pas là d'un spectacle de danse ; pourtant, on observe une parenté claire avec l'art cinétique novateur de la danse postmoderne. Récemment encore, en 2005, le chorégraphe Jonathan Burrows a à son tour employé la marche dans The Quiet Dance (vidéo), une création en collaboration avec le compositeur italien Matteo Fargion.

La marche a clairement joué un rôle important dans l'art, et non des moindres dans la danse (post)moderne. « Walking » est en effet un fait, mais « slow walking » est une façon très spécifique de thématiser certaines choses pour les porter à l'attention. On pourrait dire qu'il s'agit globalement de ces mêmes aspects à l'œuvre dans la méditation marchée. La conscience se concentre sur une expérience physique, le marcheur entrant (à nouveau) bien plus intensément qu'à l'ordinaire en contact avec son corps et avec l'environnement où se trouve ce corps. Il est alors confronté à un défi très simple en théorie, mais rarement constitutif de l'univers mental ordinaire. Dans les courts-métrages Beautiful 2012 (2012) et Journey to the West (2014), le réalisateur malais Tsai Ming-liang a introduit un moine bouddhiste qui évolue avec une lenteur extrême dans des centres-villes ultra-bondés (entre autres Marseille) (vidéo). Le contraste n'aurait pu être plus grand, et c'est pour cela qu'il est si fort. Le cinéaste, qui travaille régulièrement avec de longues plans continus, considère la lenteur comme un acte de rébellion, une façon d'entrer en résistance. La matérialisation de l'écoulement du temps, mais aussi son ralentissement délibéré, suscite chez le téléspectateur un malaise, une tension, et même, sur la durée, une frustration.

Notons que, exécutée dans un contexte artistique, le slow walking vise souvent explicitement à modifier l'expérience du public. Le slow walking ne se limite pas à la simple affirmation, il ne s'agit pas de « walking for walking's sake » [marcher pour marcher]. Le spectateur est plus qu'un simple observateur passif, sa perception modifiée fait partie de l'œuvre d'art. C'est tout à fait le cas quand on demande au public de participer à l'événement, et de se mettre lui-même à marcher lentement. En 2015, Marina Abramović a lancé « Project N° 30 » dans le cadre des Kaldor Public Art Projects au Pier 2/3 à Sydney.  Douze jours durant, le public pouvait effectuer une série d'exercices, tous conçus autour du concept de « durée », et permettant, à l'aide d'un ordre ou d'une action simples, de balayer les barrières physiques et mentales et de grossir les détails - avec, entre autres tâches, du riz, regarder quelqu'un droit dans les yeux, ou encore la « slow walk » (vidéo).

Revenons à la danse, où la slow walk a également fait son apparition. Dès 1970, Yvonne Rainer intègre une marche lente (« M-walk ») dans War, une performance contre la guerre du Vietnam. La performance 100 pas presque donnée lors de l'édition 2014 du Festival Kanal à Bruxelles offre un exemple plus proche de nous dans le lieu et dans le temps. Le chorégraphe Taoufiq Izzediou a alors parcouru avec sa compagnie de danse 100 mètres en une heure. De ses propres dires, il voulait ainsi questionner la relation entre l'individu et son environnement, mais aussi, et surtout, la place de la danse moderne dans le monde d'aujourd'hui et dans l'espace public.

Ce n'est pas non plus la première fois qu'Anne Teresa De Keersmaeker associe marche et danse. En effet, l'un des principes fondamentaux des chorégraphies qu'elle a réalisées ces dernières années est « My Walking is My Dancing » [Comme je marche, je danse], repris pour titre de ce projet. Il sous-tend les productions En Atendant (vidéo), Cesena (vidéo), Partita 2 (vidéo) et Vortex Temporum (vidéo). De Keersmaeker choisit ainsi « le mouvement le plus simple ; le mouvement de la marche, de la course et ses variations. Le rythme du corps qui s'approprie l'espace ». C'est une forme d'improvisation où la marche subit toutes sortes d'« ajustements » (par exemple en marchant à reculons, ou deux fois plus vite, etc.), ce qui donne lieu à toute une gamme de façons de se déplacer. Une de ses dernières créations, Golden Hours (As you like it) (vidéo), commence par exemple par une marche lente, exécutée par l'ensemble des danseurs sur la chanson éponyme de Brian Eno, et répétée d'innombrables fois.

Et à présent le 23 Septembre, avec le Festival d'Automne. Avec la marche lente et la séance pratique, De Keersmaeker veut mettre en évidence que la marche est aussi de la danse à l'état pur, et que tout le monde peut danser, à tout moment et en tout lieu. C'est une occasion de prouver que la danse peut réunir les hommes de façon unique, spontanée et accessible dans l'espace public, tout en offrant une nouvelle expérience de cet espace.

SOURCE

• Exhausting Dance: Performance and the Politics of Movement. André Lepecki, 2006
• The Art of Walking: a Field Guide. David Evans, 2013
• Walking and Mapping: Artists as Cartographers. Karen O'Rourke, 2013
• Meditation for Peace: a Comprehensive Guide for Discovering the Joys to Achieve Peace and Calmness. Calista Dion, 2015